fbpx

HFM

artykulylista3

 

Stravinsky - Chant funèbre. Le sacre du printemps

cd092018 001

Lucerne Festival Orchestra/Riccardo Chailly

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

„Ognistym ptakiem” Igor Strawiński uważał „Pieśń żałobną” (1908). Dwudziestoośmioletni kompozytor napisał ten około jedenastominutowy utwór orkiestrowy z okazji śmierci swojego profesora – kompozytora Nikołaja Rimskiego-Korsakowa. Po jednorazowym wykonaniu na uroczystym koncercie w konserwatorium petersburskim nuty zaginęły. Ale w muzykologach nie gasła nadzieja. W roku 2015, w czasie remontu uczelni, natrafiono na zestaw partii instrumentalnych, z których zrekonstruowano partyturę. Przedstawiane tu nagranie jest światową premierą fonograficzną „Pieśni żałobnej”. Jest to w istocie poemat symfoniczny, opowiadający o pogrzebie, w którym uczestniczą instrumenty. Każdy z nich zbliża się do grobu kompozytora i składa swój wieniec – czyli solówkę. Gra tutti tworzy nastrojowy podkład, atmosferę smutku i zadumy. Układając program płyty, Chailly obudował premierową pozycję dziełami orkiestrowymi powstałymi kilka lat przedtem i potem. Znalazły się wśród nich „Sztuczne ognie”, „Scherzo fantastyczne” (oba dzieła poprowadzone i zagrane z wigorem i precyzją), balet „Święto wiosny” (piękna introdukcja, znakomite solo oboju) oraz cykl pieśni na mezzosopran „Faun i pasterka”, do wierszy Puszkina we francuskim przekładzie. Niestety, Sophie Koch, wykonująca urocze, bukoliczne obrazki zmęczonym, rozwibrowanym głosem, stanowi najsłabsze ogniwo świetnego albumu, zarejestrowanego na żywo na festiwalu w Lucernie.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 09/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF

 

 

Bernstein on Broadway

cd07082018 006

Deutsche Grammophon 2018

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

Z okazji 100. rocznicy urodzin Leonarda Bernsteina Deutsche Grammophon wydał album „Bernstein na Broadwayu”, dokumentujący największe sukcesy kompozytora w dziedzinie musicalu. Cokolwiek by powiedzieć o takich świetnych utworach muzyki poważnej, jak „Chichester Psalms” czy II symfonia „The Age of Anxiety”, nie zdobyły one takiej estymy i światowej popularności, jaką przyniosły autorowi „West Side Story”, „Na przepustce” i „Kandyd”. Fragmenty tych trzech kompozycji znalazły się na kompakcie. Chociaż Bernstein określił „Kandyda” jako operetkę, dzieło to jest wystawiane zarówno przez teatry musicalowe, jak i operowe. To raczej parodia operetki, wykpienie operetkowego blichtru i sztuczności, a udana parodia wymaga mistrzowskiego wykonania. I takie właśnie wybrano. Wśród wykonawców słyszymy operowe gwiazdy, m.in. Nicolaia Geddę, June Anderson i tryskającą humorem-wigorem seniorkę – Christę Ludwig. Szkolone w klasycznym śpiewie głosy mogą tu sobie pozwolić na „musicalową” swobodę emisji i ekspresji. W pozostałych dwóch utworach (choć z góry zaliczonych przez kompozytora do kategorii musicalu) obsadę również skompletowano ze słynnych śpiewaków operowych. W „West Side Story” to Kiri Te Kanawa, José Carreras i Marilyn Horne, a w „Na przepustce” – Frederica von Stade i Thomas Hampson. Za ich sprawą musical przesuwa się w stronę opery, a fantastyczny świat kompozycji scenicznych Bernsteina zyskuje wspólny, ponadczasowy mianownik.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 07-08/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF

 

 

Feliks Nowowiejski - II i III symfonia

cd07082018 001

Dux 2017

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

Większość kompozytorów marzy o napisaniu wielkiej symfonii. Światową tradycję symfoniki XX wieku wzbogacili niewątpliwie Szymanowski i Penderecki. Dorobek Feliksa Nowowiejskiego w tym zakresie jest mało znany i praktycznie niedostępny; spośród czterech symfonii z dojrzałego okresu twórczości zachowały się trzy, z czego tylko jedna (II) była wykonana za życia autora, tuż przed II wojną światową. Nagrań płytowych do tej pory nie było. Krążek poznańskich filharmoników po części zapełnia tę lukę. Album zawiera II i III symfonię. Druga – „Praca i rytm” – to hymn na rzecz cywilizacji, harmonijnie współpracującej z naturą. Została podzielona dość nietypowo, bo na 7 części, i zachwyca konsekwentną strukturą oraz barwną obrazowością. Wszystko tu jest w ruchu: to przyspiesza, to rytmicznie żwawo podąża do przodu, to zwalnia i efektownie hamuje, by znów nabrać pędu. Muzyka opisuje rewolucję techniczną jako zjawisko pozytywne, radosne i przyjazne. Prawidłową nazwę III symfonii ustalono dopiero niedawno: „Siedem barw Iris”. Skomponowane w czarną noc okupacji (rok 1940; prawykonanie – 1961!) dzieło przeniosło kompozytora w krainę orientalnej fantazji. W I i II części panuje pastelowy klimat, podkreślany przez melodyjne motywy fletowe. Marsz w części III udał się Nowowiejskiemu nie mniej niż słynny fragment z „Quo Vadis”. Część IV to wspaniały 17-minutowy finał, budzący skojarzenia z rozciągniętymi „plateau” zakończeń symfonii Mahlera. Piękne odkrycie. Czekamy teraz na IV symfonię Nowowiejskiego.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 07-08/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF

 

 

Martha Argerich & Sergei Babayan - Prokofiev for Two

cd07082018 003

Deutsche Grammophon 2018

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

Sergiusz Prokofiew przywiązywał się do swoich kompozycji. Opracowywał ich nowe wersje. Zestawiał suity orkiestrowe lub wykorzystywał tematy i pomysły w następnych dziełach. Jako świetny pianista, sporządzał też aranżacje fortepianowe utworów orkiestrowych. Ponieważ sam bywał ich wykonawcą, są to aranżacje dla jednego instrumentalisty. Sergei Babayan, Ormianin od lat mieszkający w USA, łączy błyskotliwą karierę pianistyczną z działalnością pedagogiczną – jego najsłynniejszym uczniem jest Daniił Trifonow. Teraz postanowił zaaranżować wybrane kompozycje Prokofiewa na dwa fortepiany. Efekty swoich prac zadedykował Marcie Argerich, znanej z upodobania do występów w klawiszowym duecie z największymi nazwiskami światowej pianistyki. Na płycie „Prokofiew dla dwojga” znalazło się 19 „porcji” muzyki Prokofiewa w Babayanowym opracowaniu. Dominują wszelkiego rodzaju tańce – od walca, poprzez polkę, mazurka, poloneza, aż po „Taniec z mandolinami” i „Taniec pięciu par”. Babayan postawił na kontrasty rytmów, temp i nastrojów. Ich amplitudę wyznaczają, z jednej strony, „Prolog” z „Romea i Julii” (zachwycające wykorzystanie dźwięków z dołu skali fortepianu); z drugiej zaś – „Poranna serenada” z tegoż baletu (pastelowy lot motyla). Atrakcyjne aranżacje dają pole do wirtuozowskich popisów duetowi Babayan-Argerich. Trawestując powiedzenie „Tres faciunt collegium”, tutaj dwoje czyni orkiestrę.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 07-08/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF

 

 

Rachmaninoff - All-night vigil

cd052018 003

Bôłt, Dux 2018

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

Muzyka sakralna prawosławia nieczęsto pojawia się na koncertach i płytach. „Całonocne czuwanie” na chór mieszany op. 37 Sergiusza Rachmaninowa to oprawa kilkugodzinnego nabożeństwa, celebrowanego w cerkwi przed niedzielą i świętami. Istotą kompozycji (i muzyki cerkiewnej) jest dialog: między chórem męskim i żeńskim, między grupami chórzystów rozstawionymi we wnętrzu świątyni oraz między chórem i solistami. Wokalna wieloplanowość wiąże się z przestrzenną „inscenizacją” liturgii. W nagraniu udało się stworzyć iluzję zanurzenia w akustycznej głębi. Treść i cel „Całonocnego czuwania” to modlitwa śpiewem, frazami kształtowanymi przez rytm ludzkiego oddechu, rozkołysanymi na melizmatach. Śpiew jest piękny, ale to tylko narzędzie komunikacji z Sacrum. Szczerość i żarliwość są równie ważne jak zrozumiałość tekstu. Białostocki chór i soliści to wyborni realizatorzy intencji Rachmaninowa. Jasny, natchniony tenor Rafała Bartmińskiego niesie światło i radość. Ciemny, ciepły mezzosopran Agnieszki Rehlis dodaje pierwiastek matczynej opiekuńczości. Aksamitny bas Krzysztofa Drugowa co prawda nie przypomina legendarnych czelustnych rosyjskich basisk, budzących grozę przed mocą Boga, lecz dzięki temu staje się bliższy współczesnym słuchaczom. Uczestnictwo w muzycznym misterium dobrze jest zacząć od przeczytania świetnego eseju Małgorzaty Gajl w książeczce.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 05/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF

 

 

Zygmunt Krauze - Folk Music

cd052018 007

Bôłt, Dux 2018

Muzyka: k4
Realizacja: k3 

W latach 70. XX wieku Zygmunt Krauze kilkakrotnie znalazł inspirację w folklorze. Wyznał: „[…] odczuwałem naturalną potrzebę wykąpania się w nurcie nowych dźwięków, dawniej bardzo dla mnie wulgarnych, brutalnych i nieznośnych”. Krauze nie wykorzystał ludowości w typowy dla kompozytorów sposób, czyli na zasadzie cytatu melodii, zastosowania skali (np. góralskiej) czy użycia rytmu wiejskiego tańca. Wybrał metodę „cytatów brzmienia”, czyli kompleksowego „wszczepiania” fragmentów ludowej sonosfery (część melodii jest grana na ludowym instrumencie na tle odgłosów przyrody etc.) w tkankę autorskiego utworu. Np. w „Idyll” fujarkowe improwizacje pastuszków sąsiadują z rechotaniem żab i grzmotami, a góralska kapela ma tę samą dźwiękową wartość co polifonia krowich dzwonków. Niezwykłym utworem jest „Folk Music”. Cytat brzmienia obejmuje tutaj kilkunastominutowy czas przed koncertem symfonicznym, kiedy muzycy przy pulpitach rozgrywają się. Niektórzy robią to na fragmentach utworów ludowych; może tak akcentują swoje pochodzenie, a może po prostu muzyka ludowa i klasyczna mają dla nich wspólny mianownik – warsztat gry. Na dwupłytowym albumie czterokrotnie rozbrzmiewa tradycyjna melodia „Światówka sandomierszczanka” w wykonaniu genialnego skrzypka ludowego Stanisława Gąsowskiego. Na motywach „Światówki” oparł Krauze cykl wariacji „Aus aller Welt stammende”. Wspaniały efekt przynosi działanie określane przez kompozytora jako tworzenie muzyki z innej muzyki – z muzyki ludowej.

Hanna Milewska
Źródło: HFiM 05/2018

Pobierz ten artykuł jako PDF